Katy e John, fondatori di LPOL, parlano con Seraphina del suo amore per il materiale, il colore e la composizione
introduzione
Seraphina è un'artista astratta emergente con sede a Londra.
Lavora con collage su carta, serigrafie e design di superfici. Seraphina si è laureata in fotografia alla Falmouth University e da allora ha lavorato come fotografa mentre sviluppava la sua pratica artistica. Le sue opere sono una naturale estensione del rapporto con la luce, il colore, la forma e la composizione che ha sviluppato durante i suoi anni come fotografa.
Le sue composizioni astratte sono anche influenzate dall'amore per il colore e il minimalismo nell'arte, nel design e nell'architettura. Per Seraphina, lo spazio negativo è significativo quanto i blocchi di colore nelle sue opere. Tutti i suoi lavori iniziano tagliando a mano, sistemando e riordinando carta e materiali trovati. Salva i ritagli di carta di tutti i progetti precedenti e spesso li usa come punto di partenza per nuovi lavori. Negli ultimi anni ha prodotto lavori per clienti tra cui Vogue International, COS ed Evermade. Il suo lavoro è apparso su Vogue, Grazia e Stylist Magazine.
"È un piacere lavorare con Seraphina e sono particolarmente ispirato dal suo uso del colore e della forma. Proprio quando pensi che non ci possa essere un'altra combinazione di colori, Seraphina passerà con una nuova stampa o un collage nella più bella nuova tavolozza ! Sono sempre così entusiasta di vedere cosa produce Seraphina quando collabora con altri artisti o marchi, poiché la sua creatività e il suo occhio per la composizione si traducono sempre in qualcosa di delizioso". Claudia Hogg, Gallery Manager presso Print Club London.
Dopo il lancio del nuovo Seraphina Goccia d'arte a zero rifiuti collezione in collaborazione con LPOL, abbiamo voluto farle alcune domande sulla sua ispirazione, esperienze e metodi di lavoro che l'hanno portata e spinta a creare opere di semplice, colorata bellezza...
Domande e risposte
Prima di diventare un artista astratto, ti sei formato e ti sei esercitato come fotografo. Puoi raccontarci un po' come hai iniziato e le esperienze che ti hanno aiutato a plasmarti come artista?
Prima di studiare fotografia, inizialmente volevo studiare moda/tessile. In questo periodo ho fatto uno stage con Philip Treacy dove ho aiutato in laboratorio a finire i cappelli per una sfilata di Valentino Couture. Questa esperienza è stata davvero emozionante in giovane età e mi ha aiutato a capire che era possibile intraprendere una carriera creativa. Sono rimasto affascinato dal laboratorio, dai materiali e dalle immense competenze richieste per creare pezzi così delicati. Mentre studiavo fotografia, ho avuto la fortuna di lavorare sia con Nadav Kander che con Rankin, cosa che mi ha dato grandi spunti di riflessione sui settori commerciale e della moda. Queste esperienze sono state incredibili, ma mi hanno fatto capire che non volevo intraprendere una carriera nella fotografia di moda, che per me a quel tempo sembrava che sarebbe stata inevitabilmente intrecciata con il fast fashion, la pubblicità e il consumo eccessivo. Ho avuto la fortuna di avere l'opportunità di lavorare per una galleria come fotografo e da allora mi sono specializzato nella fotografia di opere d'arte mentre lavoravo alla mia pratica artistica. Il mio lavoro fotografico mi ha dato accesso a opere d'arte, oggetti d'archivio e taccuini di artisti incredibilmente famosi, che mi danno un'ispirazione infinita. Mi ha anche dato l'opportunità di fotografare progetti entusiasmanti come The Squash di Anthea Hamilton alla Tate Britain, che includeva una visita all'atelier di Parigi dove Jonathan Anderson di Loewe stava lavorando ai costumi.
Era la prima volta che lavoravi con la pelle. Come hai trovato il processo? Quali sono state le sfide?
È stata una nuova meravigliosa esperienza lavorare con la pelle! Lavoro principalmente con la carta (che adoro), ma la pelle ha così tanto carattere ed è intrinsecamente un materiale molto sensuale e tattile. L'odore, i segni, la consistenza mi hanno fatto sentire più immerso nel materiale. In pratica, era un po' più difficile da tagliare rispetto alla carta, ma dopo un po' di pratica ho scoperto di essere in grado di ottenere linee altrettanto pulite! Non disegno né disegno forme prima del taglio, poiché trovo che usare il bisturi o la lama per "disegnare" renda le mie forme più fluide. Tuttavia questo significa anche che non si torna indietro una volta che ho fatto un taglio! Questo mi ha reso un po' nervoso all'inizio perché i pezzi in pelle sono così belli e ogni pezzo è completamente unico, quindi mi sono sentito più prezioso con loro che con la carta.
Raccontaci un po' come hai realizzato le opere d'arte? Da dove hai iniziato? Cosa ti è piaciuto realizzarli?
Appena ho ricevuto la scatola dei ritagli ero così eccitato! Ho iniziato svuotando la scatola su un enorme pezzo di tela sul pavimento ed esplorando i diversi colori, trame e qualità. È stato davvero interessante vedere le tracce di come erano già state tagliate per la collezione per cui erano state utilizzate! Presto mi sono reso conto che era importante per me conservare alcuni dei pezzi così come dovevano conservare parte della storia di dove è arrivata la pelle e di come è stata utilizzata. Ho iniziato a lavorare su diverse composizioni usando i pezzi che mi saltavano fuori di più - sia per il colore, eventuali imperfezioni interessanti o le forme che erano già lì. Usando questo come punto di partenza per le opere d'arte finali, ho iniziato a ritagliare più forme mie dai ritagli per esplorare ciò che avrebbe funzionato meglio a livello compositivo con i pezzi esistenti. Mi è piaciuto molto l'intero processo di realizzazione di questi lavori, in particolare quanto la pelle stessa ha impregnato l'intero processo, conferendo uno strato più sensuale al mio lavoro.
Siamo sempre stati attratti dalle semplici forme e composizioni astratte del tuo lavoro. Come e perché ti accontenti di determinati design?
Grazie molte! Si tratta molto di sentire. Passo molto tempo a lavorare e rielaborare le composizioni, passando da un lavoro all'altro contemporaneamente e poi tornando su di esso dopo un po' di tempo finché la composizione generale non sembra corretta. Questo spesso in realtà implica che io tolga elementi che sembrano superflui piuttosto che aggiungerne altri. Lo spazio negativo è importante per me tanto quanto le forme che metto giù: penso sempre a come lo spazio attorno alle forme funzionerebbe come un'immagine a sé stante. Spero che il mio lavoro sia calmante e incoraggi le persone a pensare allo spazio tra le cose.
Come crei un certo stato d'animo nel tuo lavoro?
La natura di una forma, il colore e il punto in cui quella forma si trova in una composizione possono davvero cambiare l'intero stato d'animo di un collage. Alcune forme e colori possono sembrare molto pesanti, alcuni possono essere nitidi, altri edificanti, altri possono sembrare morbidi e accoglienti attirando l'attenzione su altri elementi. Quasi personificando ogni componente cerco di mettere insieme pezzi che si celebrano o si sollevano a vicenda. Penso che la mia esperienza di fotografo significhi che penso spesso a queste cose senza nemmeno rendermene conto: quando faccio un collage penso costantemente alla relazione tra spazio, colore, consistenza, linee e peso. Mi ritrovo attratto da opere minimaliste e astratte su opere d'arte più elaborate poiché le trovo più rilassanti e che viene lasciato più spazio allo spettatore per trovare il proprio significato nell'opera.
I ritagli del nostro laboratorio provenivano principalmente dalla collezione della scorsa stagione. Come ti sei trovato a lavorare con una tavolozza di colori relativamente limitata?
Inizialmente l'ho trovato difficile quando mi attaccavo a un colore o a un pezzo di pelle e mi rendevo conto che ne avevo solo una piccola quantità con cui lavorare. Tuttavia mi è piaciuto molto quanto mi abbia spinto a lavorare con colori che forse non avrei selezionato se avessi avuto infinite possibilità. Significava anche che ho iniziato naturalmente a usare entrambi i lati dei ritagli di pelle per ampliare la tavolozza dei colori, poiché ha portato una gamma di colori molto più tenui e tenui nel mix. Ho particolarmente amato il retro della pelle verde scuro
Lavori spesso con materiale ritrovato e carta riciclata. Perché è così importante per te e il tuo lavoro?
Questo è iniziato come una necessità poiché non avevo molti soldi da spendere per i materiali quando ho iniziato a realizzare opere d'arte all'università. Mi sono presto reso conto che aggiunge più profondità, consistenza e contesto al mio lavoro, oltre ad allinearsi con i miei valori nel tentativo di vivere più sostenibilità. Sono molto interessato alla gerarchia dei materiali all'interno del mondo dell'arte e al modo in cui storicamente determinati mezzi o forme d'arte sarebbero considerati più degni o avrebbero un prezzo più alto di altri a causa dei materiali utilizzati. Artisti come Eva Hesse, Richard Tuttle e Karla Black mi ispirano davvero con il loro uso di materiali di uso quotidiano e trovati.
Qual è il prossimo passo per te?
Più lavoro con tessuto e nuovi materiali! Di recente ho iniziato a dipingere a mano su capi in denim di seconda mano e spero anche di rilasciare alcune sciarpe e t-shirt in seta serigrafate quest'anno. Negli ultimi anni ho raccolto lentamente resti di tessuto e spero di creare opere d'arte su larga scala con questi.
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