LPOL の創設者であるケイティとジョンは、素材、色、構成に対する彼女の愛についてセラフィナに語りました
序章
セラフィナは、ロンドンを拠点とする新進気鋭の抽象芸術家です。
彼女は紙、スクリーン プリント、表面デザインのコラージュ作品を扱っています。 Seraphina は、ファルマス大学で写真の学位を取得して卒業し、それ以来、写真家として活動しながらアートの実践を発展させてきました。彼女の作品は、彼女が写真家として長年培ってきた光、色、形、構図との関係の自然な延長です。
彼女の抽象的な構図は、アート、デザイン、建築における色彩とミニマリズムへの愛情にも影響を受けています。セラフィナにとって、ネガティブ スペースは、作品の色のブロックと同じくらい重要です。彼女の作品はすべて、紙や見つかった素材を手作業で切り取り、配置し、再配置することから始まります。彼女は、以前のすべてのプロジェクトで使用した紙の切れ端を保存しており、これらを新しい作業の出発点として使用することがよくあります。ここ数年、彼女は Vogue International、COS、Evermade などのクライアントのために作品を制作してきました。彼女の作品は、Vogue、Grazia、Stylist Magazine で紹介されています。
「セラフィナと一緒に仕事をするのは楽しいです。私は彼女の色と形の使い方に特に感銘を受けました。他の色の組み合わせはあり得ないと思ったとき、セラフィナは最も美しい新しいパレットで新しいプリントまたはコラージュを持って立ち寄ります。 ! セラフィナが他のアーティストやブランドとコラボレーションする際に生み出すものを見るのはいつもとても楽しみです。彼女の創造性と構成に対する目は常に楽しいものを生み出すからです。」 クローディア・ホッグ プリント クラブ ロンドンのギャラリー マネージャー。
セラフィナの新作発売に続き、 ゼロ・ウェイスト・アート・ドロップ コレクション を LPOL と共同で作成するにあたり、シンプルでカラフルな美しさの作品を制作するきっかけとなった彼女のインスピレーション、経験、作業方法について、いくつか質問をしたいと思いました...
質疑応答
抽象芸術家になる前に、写真家としての訓練と実践を行いました。どのように始めたのか、そしてアーティストとしてのあなたを形成するのに役立った経験について少し教えていただけますか?
写真を学ぶ前は、もともとファッション/テキスタイルを勉強したいと思っていました。この頃、私はフィリップ トレーシーとインターンシップを行い、ワークショップでヴァレンティノ クチュール ショーの帽子を仕上げるのを手伝いました。この経験は幼い頃に本当に刺激的で、クリエイティブなキャリアを追求することが可能であることに気づきました.このような繊細な作品を作るために必要なワークショップ、材料、そして計り知れないスキルに魅了されました。写真を勉強している間、私は幸運にもナダフ カンダーとランキンの両方と仕事をすることができ、商業およびファッション業界について素晴らしい洞察を得ることができました。これらの経験は素晴らしいものでしたが、ファッション写真のキャリアを追求したくないことに気づきました。当時の私にとって、ファッション写真は必然的にファスト ファッション、広告、過剰消費と絡み合うように感じていました。私は幸運にもギャラリーでフォトグラファーとして働く機会を得て、それ以来アートワークの写真を専門にしながら、自分のアートの練習に取り組んでいます.私の写真作品は、信じられないほど有名なアーティストのアートワーク、アーカイブ アイテム、スケッチブックへのアクセスを与えてくれ、インスピレーションは尽きることがありません。また、ロエベのジョナサン・アンダーソンが衣装に取り組んでいたパリのアトリエへの訪問を含む、テート・ブリテンのアンシア・ハミルトンによるスカッシュなどのエキサイティングなプロジェクトを撮影する機会も与えてくれました。
革を扱うのはこれが初めてでした。どのようにプロセスを見つけましたか？どのような課題がありましたか?
革を扱うのは素晴らしい新しい経験でした！私は主に紙（大好きです）を扱っていますが、革は非常に個性的で、本質的に非常に官能的で触覚的な素材です。におい、模様、質感のすべてが、私を素材にもっと没頭させてくれました。実際には、カットするのは紙よりも少し大変でしたが、いくつかの練習の後、同じようにきれいな線を実現できることがわかりました!メスや刃を使って「描く」と形がより滑らかになるので、切る前に形をスケッチしたり描いたりしません。とはいえ、これは一度切ってしまったら後戻りできないということでもあります！革の作品はとても美しく、それぞれの作品は完全にユニークであるため、最初は少し緊張しました。紙よりも貴重だと感じました。
作品の作り方について教えてください。どこから始めましたか？作っていて楽しかったことは何ですか？
オフカットの箱を受け取った途端、私はとても興奮しました！私はまず、箱を床の巨大なキャンバスに空にして、さまざまな色、質感、品質を探ることから始めました.コレクション用にカットされた跡があり、とても面白かったです！革がどこから来て、どのように使用されたかという歴史の一部を保持するために、一部の作品をそのままにしておくことが重要であることにすぐに気付きました。色、興味深い欠陥、またはすでにそこにあった形など、最も印象に残った作品を使用して、さまざまな構成に取り組み始めました。これを最終的なアートワークの出発点として使用して、既存の作品と構成的に最もうまく機能するものを模索するために、オフカットから自分の形をさらに切り取り始めました.私はこれらの作品を作るプロセス全体を本当に楽しんでいます。特に、革自体がプロセス全体にどれだけ浸透しているか、私の作品により官能的な層をもたらしています.
私たちはいつもあなたの作品のシンプルで抽象的な形や構図に惹かれてきました。どのように、そしてなぜ特定のデザインに落ち着くのですか?
どうもありがとう！気持ちが大事です。構成の作業と再調整に多くの時間を費やし、一度に別の作業を行ってから、全体的な構成が適切に感じられるまでしばらくしてからそれらに戻ります。これには、多くの場合、要素を追加するのではなく、不要と思われる要素を削除する必要があります。ネガティブ スペースは、配置する図形と同じくらい私にとって重要です。図形の周囲のスペースが、それ自体でイメージとしてどのように機能するかを常に考えています。私の作品が心を落ち着かせ、人々が物事の間の空間について考えるようになることを願っています.
作品に特定のムードを作り出すにはどうすればよいですか？
形、色の性質、およびその形が構図のどこにあるかによって、コラージュ全体のムードが大きく変わります。形や色によっては、非常に重く感じるものもあれば、鋭く、高揚感を与えるものもあれば、他の要素に目を向けることで柔らかく歓迎されるものもあります。各構成要素をほぼ擬人化することで、お互いを祝福したり持ち上げたりするピースをまとめようとしています。写真家としての経験から、私は無意識のうちにこれらのことを考えていることが多いと思います。私はミニマリストで抽象的な作品に惹かれますが、より精巧なアートワークよりも落ち着きがあり、鑑賞者が作品の中で自分の意味を見つけるためのより多くの余地が残されていると感じています.
私たちのワークショップのオフカットは、主に昨シーズンのコレクションからのものでした.比較的限られたカラー パレットでの作業はどのように行われましたか?
色や革の部分に執着し、それが少量しかないことに気付いたとき、最初は難しいと感じました.しかし、私が無限の可能性を持っていたらおそらく選択しなかったであろう色で作業するように私をどれだけ駆り立てたかを実際に楽しんだ.それはまた、色のパレットを広げるために革のオフカットの両面を自然に使い始めたことを意味しました。ダークグリーンの革の裏側が特に気に入りました
ファウンド マテリアルや再生紙を扱うことがよくあります。なぜこれがあなたとあなたの作品にとって重要なのですか？
大学で初めて作品を作り始めたとき、材料に費やすお金があまりなかったので、これは必需品として始まりました。私はすぐに、それが私の作品に深み、テクスチャー、コンテキストを追加し、より持続可能性を追求する私の価値観と一致することに気付きました.アートの世界における素材のヒエラルキーと、歴史的に特定の媒体やアートフォームが、使用されている素材のために他のものよりも価値があり、より高い価格で取引されていたことに非常に興味があります。 Eva Hesse、Richard Tuttle、Karla Black などのアーティストは、日用品や見つけた素材を使用して、本当に刺激を受けています。
あなたの次は何ですか？
生地や新素材でもっと活躍！最近、古着のデニム服に手描きを始めました。また、今年はスクリーン プリントのシルク スカーフと T シャツをリリースしたいと考えています。ここ数年、生地の残骸をゆっくりと集めており、これらを使ってより大きなアートワークを作成したいと考えています.
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