Die LPOL-Gründer Katy & John unterhalten sich mit Seraphina über ihre Liebe zu Material, Farbe und Komposition
Einführung
Seraphina ist eine aufstrebende abstrakte Künstlerin aus London.
Sie arbeitet mit Collagearbeiten auf Papier, Siebdrucken und Oberflächendesigns. Seraphina schloss ihr Studium der Fotografie an der Falmouth University ab und arbeitet seitdem als Fotografin, während sie ihre künstlerische Praxis entwickelt. Ihre Kunstwerke sind eine natürliche Erweiterung der Beziehung zu Licht, Farbe, Form und Komposition, die sie in ihren Jahren als Fotografin entwickelt hat.
Ihre abstrakten Kompositionen sind auch von der Liebe zu Farbe und Minimalismus in Kunst, Design und Architektur beeinflusst. Der Negativraum ist für Seraphina ebenso bedeutsam wie die Farbblöcke in ihren Kunstwerken. Alle ihre Arbeiten beginnen mit dem Schneiden, Arrangieren und Neuarrangieren von Papier und gefundenen Materialien von Hand. Sie bewahrt die Papierreste aller bisherigen Projekte auf und nutzt diese oft als Ausgangspunkt für neue Arbeiten. In den letzten Jahren hat sie Arbeiten für Kunden wie Vogue International, COS und Evermade produziert. Ihre Arbeiten wurden in Vogue, Grazia und Stylist Magazine vorgestellt.
„Es ist eine Freude, mit Seraphina zu arbeiten, und ich bin besonders von ihrer Verwendung von Farbe und Form inspiriert. Gerade wenn Sie denken, dass es keine andere Farbkombination geben könnte, kommt Seraphina mit einem neuen Druck oder einer Collage in der schönsten neuen Palette vorbei ! Ich bin immer so aufgeregt zu sehen, was Seraphina bei der Zusammenarbeit mit anderen Künstlern oder Marken produziert, da ihre Kreativität und ihr Auge für Komposition immer zu etwas Entzückendem führen." Claudia Hogg, Galeriemanager im Print Club London.
Nach der Markteinführung von Seraphinas neuem Zero-Waste-Art-Drop Kollektion in Zusammenarbeit mit LPOL wollten wir ihr ein paar Fragen zu ihrer Inspiration, ihren Erfahrungen und Arbeitsmethoden stellen, die sie dazu gebracht und angetrieben haben, Werke von einfacher, farbenfroher Schönheit zu schaffen ...
Fragen und Antworten
Bevor Sie ein abstrakter Künstler wurden, haben Sie als Fotograf ausgebildet und praktiziert. Kannst du ein bisschen darüber erzählen, wie du angefangen hast und welche Erfahrungen dich als Künstler geprägt haben?
Vor dem Studium der Fotografie wollte ich ursprünglich Mode/Textil studieren. Zu dieser Zeit machte ich ein Praktikum bei Philip Treacy, wo ich in der Werkstatt half, Hüte für eine Valentino Couture-Show fertigzustellen. Diese Erfahrung war in jungen Jahren sehr aufregend und hat mir geholfen zu erkennen, dass es möglich ist, eine kreative Karriere zu verfolgen. Ich war fasziniert von der Werkstatt, den Materialien und den immensen Fähigkeiten, die erforderlich sind, um solch filigrane Stücke herzustellen. Während meines Fotografiestudiums hatte ich das Glück, sowohl mit Nadav Kander als auch mit Rankin zusammenzuarbeiten, wodurch ich großartige Einblicke in die Werbe- und Modebranche erhielt. Diese Erfahrungen waren unglaublich, machten mir aber klar, dass ich keine Karriere in der Modefotografie machen wollte, die sich für mich damals so anfühlte, als wäre sie unweigerlich mit Fast Fashion, Werbung und Überkonsum verflochten. Ich hatte das Glück, die Gelegenheit zu bekommen, als Fotografin für eine Galerie zu arbeiten, und habe mich seitdem auf künstlerische Fotografie spezialisiert, während ich an meiner eigenen Kunstpraxis arbeite. Meine fotografische Arbeit hat mir Zugang zu Kunstwerken, Archivalien und Skizzenbüchern von unglaublich renommierten Künstlern verschafft, die mich unendlich inspirieren. Es hat mir auch die Gelegenheit gegeben, spannende Projekte wie The Squash von Anthea Hamilton in der Tate Britain zu fotografieren, was einen Besuch im Atelier in Paris beinhaltete, wo Jonathan Anderson bei Loewe an den Kostümen arbeitete.
Das war deine erste Arbeit mit Leder. Wie fanden Sie den Ablauf? Was waren die Herausforderungen?
Es war eine wunderbare neue Erfahrung, mit Leder zu arbeiten! Ich arbeite hauptsächlich mit Papier (das ich liebe), aber Leder hat so viel Charakter und ist von Natur aus ein sehr sinnliches, fühlbares Material. Durch den Geruch, die Markierungen und die Textur fühlte ich mich tiefer in das Material eingetaucht. In der Praxis war es etwas schwieriger zu schneiden als Papier, aber nach einiger Übung stellte ich fest, dass ich ähnlich saubere Linien erzielen konnte! Ich skizziere oder zeichne keine Formen vor dem Schneiden, da ich finde, dass die Verwendung des Skalpells oder der Klinge zum „Zeichnen“ meine Formen flüssiger macht. Das bedeutet aber auch, dass es nach einem Schnitt kein Zurück mehr gibt! Das hat mich anfangs etwas nervös gemacht, da die Lederstücke so schön sind und jedes Stück absolut einzigartig ist, sodass ich mich wertvoller darüber fühlte als mit Papier.
Erzählen Sie uns ein bisschen darüber, wie Sie die Kunstwerke gemacht haben? Wo hast du angefangen? Was hat Ihnen daran gefallen, sie zu machen?
Als ich die Schachtel mit den Resten erhielt, war ich so aufgeregt! Ich begann damit, die Schachtel auf ein riesiges Stück Leinwand auf dem Boden zu leeren und die verschiedenen Farben, Texturen und Qualitäten zu erkunden. Es war wirklich interessant zu sehen, wie sie bereits für die Kollektion geschnitten wurden, für die sie verwendet wurden! Mir wurde schnell klar, dass es mir wichtig war, einige der Stücke so zu behalten, wie sie einen Teil der Geschichte, woher das Leder kommt und wie es verwendet wurde, zu bewahren. Ich begann, an verschiedenen Kompositionen zu arbeiten, wobei ich die Stücke verwendete, die mir am meisten auffielen – sei es wegen der Farbe, interessanter Unvollkommenheiten oder der Formen, die bereits vorhanden waren. Ich nutzte dies als Ausgangspunkt für die endgültigen Kunstwerke und begann, mehr meiner eigenen Formen aus den Resten zu schneiden, um zu erkunden, was kompositorisch am besten zu den vorhandenen Stücken passen würde. Ich habe den gesamten Herstellungsprozess dieser Arbeiten wirklich genossen, besonders wie sehr das Leder selbst den gesamten Prozess durchdrungen hat und meiner Arbeit eine sinnlichere Ebene verleiht.
Wir haben uns immer zu den einfachen abstrakten Formen und Kompositionen in deiner Arbeit hingezogen gefühlt. Wie und warum entscheiden Sie sich für bestimmte Designs?
Ich danke dir sehr! Es geht viel ums Fühlen. Ich verbringe viel Zeit damit, Kompositionen zu bearbeiten und zu überarbeiten, zwischen verschiedenen Werken gleichzeitig zu wechseln und dann nach einiger Zeit darauf zurückzukommen, bis sich die Gesamtkomposition richtig anfühlt. Das bedeutet oft, dass ich Elemente wegnehme, die sich unnötig anfühlen, anstatt mehr hinzuzufügen. Negativer Raum ist für mich genauso wichtig wie die Formen, die ich platziere – ich denke immer darüber nach, wie der Raum um die Formen herum als eigenständiges Bild funktionieren würde. Ich hoffe, dass meine Arbeit beruhigend wirkt und die Menschen dazu ermutigt, über den Raum zwischen den Dingen nachzudenken.
Wie erzeugst du eine bestimmte Stimmung in deiner Arbeit?
Die Art einer Form, Farbe und wo diese Form in einer Komposition liegt, kann die gesamte Stimmung einer Collage wirklich verändern. Bestimmte Formen und Farben können sich sehr schwer anfühlen, einige können scharf sein, einige erhebend, andere können sich weich und einladend anfühlen, indem sie Ihren Blick auf andere Elemente lenken. Indem ich jede Komponente fast personifiziere, versuche ich, Teile zusammenzubringen, die sich gegenseitig feiern oder erheben. Ich denke, meine Erfahrung als Fotograf bedeutet, dass ich oft über diese Dinge nachdenke, ohne es zu merken – wenn ich eine Collage mache, denke ich ständig an die Beziehung zwischen Raum, Farbe, Textur, Linien und Gewicht. Ich fühle mich von minimalistischen, abstrakten Werken gegenüber aufwändigeren Kunstwerken angezogen, da ich sie beruhigender finde und dass dem Betrachter mehr Raum gelassen wird, seine eigene Bedeutung in der Arbeit zu finden.
Die Reste aus unserer Werkstatt stammten hauptsächlich aus der Kollektion der letzten Saison. Wie fanden Sie die Arbeit mit einer relativ begrenzten Farbpalette?
Ich fand es anfangs schwierig, wenn ich an einer Farbe oder einem Stück Leder hängen blieb und merkte, dass ich nur eine kleine Menge davon hatte, um damit zu arbeiten. Ich habe es jedoch genossen, wie sehr es mich dazu gebracht hat, mit Farben zu arbeiten, die ich vielleicht nicht ausgewählt hätte, wenn ich endlose Möglichkeiten gehabt hätte. Es bedeutete auch, dass ich natürlich anfing, beide Seiten der Lederreste zu verwenden, um die Farbpalette zu erweitern, da dies eine viel weichere, gedämpftere Farbpalette in die Mischung brachte. Besonders gut hat mir die Rückseite des dunkelgrünen Leders gefallen
Du arbeitest oft mit gefundenem Material und Recyclingpapier. Warum ist das so wichtig für Sie und Ihre Arbeit?
Dies begann als Notwendigkeit, da ich nicht viel Geld für Materialien ausgeben konnte, als ich anfing, Kunstwerke an der Universität zu machen. Mir wurde schnell klar, dass es meiner Arbeit mehr Tiefe, Textur und Kontext verleiht und sich an meinen Werten ausrichtet, wenn ich versuche, mehr Nachhaltigkeit zu leben. Ich interessiere mich sehr für die Hierarchie der Materialien in der Kunstwelt und dafür, wie historisch gesehen bestimmte Medien oder Kunstformen aufgrund der verwendeten Materialien als wertvoller angesehen wurden oder einen höheren Preis erzielten als andere. Künstler wie Eva Hesse, Richard Tuttle & Karla Black inspirieren mich wirklich mit ihrer Verwendung von alltäglichen und gefundenen Materialien.
Was kommt als nächstes für Sie?
Mehr Arbeit mit Stoff & neuen Materialien! Ich habe vor Kurzem damit begonnen, gebrauchte Denim-Kleidungsstücke von Hand zu bemalen, und ich hoffe, dieses Jahr auch einige Siebdruck-Seidenschals und -T-Shirts herausbringen zu können. In den letzten Jahren habe ich langsam Stoffreste gesammelt und hoffe, damit einige größere Kunstwerke zu schaffen.
Hinterlassen Sie einen Kommentar